Grabación de la Armónica o Armónica de Blues

La armónica, o armónica de blues, aparece en pistas de muchos géneros. A pesar de su construcción aparentemente sencilla, es un instrumento increíblemente expresivo, y hay casi tantas formas de grabarlo como de tocarlo. Como diría Lauren Bacall, sabes tocar la armónica, ¿no? Solo tienes que juntar los labios y soplar. Pero, aunque obtener un sonido de la armónica puede ser un juego de niños, liberar todo su potencial musical requiere una considerable habilidad técnica y física, y en manos de un intérprete experto, la humilde armónica se transforma en un instrumento extraordinariamente expresivo y sorprendentemente versátil.

Aunque se puede decir que su encarnación más famosa y contundente es como un elemento clave del sonido del blues de Chicago, la armónica se puede escuchar en estilos de rock, pop, jazz, folk, celta y country, desempeñando funciones tanto de ritmo como de solista. En el cine, ha sido utilizada de forma destacada por artistas como Ennio Morricone, Henry Mancini y John Barry, y para muchos compositores de bandas sonoras, el sonido evocador de la armónica es una forma conveniente de abreviar la nostalgia, el aislamiento y la mala suerte. En el mundo del pop, a menudo se la relega a apariciones breves, pero solo hay que escuchar "Love Me Do" de The Beatles o "Karma Chameleon" de Culture Club para comprobar cómo el sonido instantáneamente reconocible de la armónica puede proporcionar un gancho sonoro indeleble.

Rutas acústicas

Hay que hacer una distinción clara entre el sonido estridente y amplificado de la armónica que se utiliza para el blues eléctrico (al que nos referiremos en breve) y el tono más puro y natural que suele predominar en los contextos de pop, jazz, folk y música clásica. En el primer caso, el intérprete suele sostener el micrófono en sus manos junto con la armónica. En el segundo, el intérprete normalmente toca delante de un micrófono colocado sobre un soporte. Hay excepciones (por ejemplo, el legendario músico de jazz Toots Thielemans utiliza un Shure SM58 de mano), pero cuando el objetivo es capturar el sonido acústico de la armónica, el punto de partida natural es utilizar un micrófono de condensador montado sobre un soporte.

Si bien el método del micrófono de mano puede parecer atractivo en términos de conveniencia y de aislamiento del micrófono de otros sonidos en la habitación, no solo altera el carácter del sonido (especialmente cuando las manos están completamente ahuecadas alrededor del micrófono), sino que simplemente no es compatible con algunos estilos de interpretación. Los intérpretes de armónica utilizan una variedad de técnicas para agregar expresión a su interpretación. Aquellos que usan el micrófono en forma de copa tienden a confiar en el vibrato interno, que proviene del diafragma y la garganta. Aquellos que tocan acústicamente a menudo usan más vibrato externo, moviendo sus manos para modular el timbre y el volumen.

Muchos ingenieros colocan el micrófono un poco alto para los vocalistas, pero esa posición puede captar mucho ruido de respiración nasal de un armonicista. Una posición más baja suele dar mejores resultados.

Si colocas el micrófono a una distancia de al menos quince centímetros, tendrás la oportunidad de captar por completo este vibrato externo. Sin embargo, como explica Steve Lockwood, la posición de la mano varía de persona a persona, por lo que es mejor tratar a cada músico como un individuo, observar su estilo de interpretación y luego colocar el micrófono en consecuencia.

“La forma de las manos tiene mucho que ver con el tono y el volumen de lo que estás escuchando”, dice. “Tienes que reconocer la técnica del músico y trabajar con ella. Muchos músicos tienen una técnica deficiente, por lo que en lugar de ahuecar las manos para que el sonido salga por un orificio en la parte delantera, tienen un orificio en el lateral, que dirige el sonido más allá de su oído. Otros tocan con las manos cerradas sobre la parte superior de la armónica y las palmas separadas, lo que tiende a dirigir el sonido hacia abajo. Algunos no ahuecan las manos en absoluto. Sea cual sea la situación, tienes que encontrar hacia dónde están dirigiendo el sonido: hacia delante, hacia abajo o hacia un lado. En caso de duda, incluso puedes caminar alrededor del músico mientras toca y escuchar”.

Dado que se trata de un instrumento de lengüeta alimentado por los pulmones humanos, muchas de las técnicas y enfoques que se aplican comúnmente a las voces y a los instrumentos de viento de orquesta son transferibles a la armónica. Con el micrófono a quince centímetros de distancia, el sonido debe ser pleno y concentrado. Si lo alejamos un pie o más, obtendremos un sonido más abierto y aireado y captaremos más ruido de la sala. Este es el enfoque que prefiere Brendan Power, el codiciado músico de sesión y ganador de los premios BBC Folk Awards en 2012. "Normalmente, utilizaría un micrófono de estudio de buena calidad como un Neumann U87", dice, "y me situaría a una distancia de entre treinta y sesenta centímetros; quiero darle un poco de aire".

El rendimiento es muy importante, por lo que debes tener en cuenta la postura preferida del músico y ajustar la altura del micrófono en consecuencia.

Al mismo tiempo, el aire es algo a tener en cuenta. "Los armonistas usan la nariz como una especie de válvula", dice Power. "Si estás haciendo muchas notas aspiradas [tomando aire a través de la armónica], a menudo expulsas aire por la nariz y por la armónica, y eso puede generar algunos ruidos de respiración. A menudo, al ingeniero le gusta colocar el micrófono bastante alto, pero si lo colocas un poco más bajo, obtendrás menos ruido extraño".

Por lo tanto, si bajas el micrófono por debajo del nivel de la nariz, podrás captar más la armónica y menos la respiración del músico. Por supuesto, para algunos estilos de folk, country y blues, los ruidos que de otra manera podrían ser indeseables (desde la respiración rítmica hasta los gruñidos, los gritos y los alaridos) pueden considerarse una parte crucial del sonido y deben conservarse. Puedes considerar combinar micrófonos cercanos y de ambiente para ofrecer la imagen completa. Depende de ti juzgar qué se considera ruido extraño y qué expresión musical.

En cuanto al aire que entra por la armónica (en lugar de salir por la nariz y la boca), no deberías encontrarte con el tipo de ruidos y ráfagas de aire directas que obtendrías de un vocalista, aunque un protector antipop puede ser útil para una microfonía muy cercana. Mover el micrófono unos centímetros hacia un lado de la corriente de aire debería eliminar cualquier ráfaga residual. Si bien un condensador de diafragma grande puede ser la mejor opción para un sonido cálido y completo, los micrófonos de diafragma pequeño tienen una ventaja en este caso, ya que son mucho menos exigentes cuando se colocan un poco fuera del eje. Otros ruidos además del aire en movimiento, como el sonido de las manos aplaudiendo juntas si el músico está exagerando el vibrato, pueden ser un problema cuando se microfonea de cerca, pero se pueden eliminar fácilmente moviendo el micrófono un poco más lejos.

En esta serie de imágenes, puede ver cómo las diferentes técnicas de ahuecamiento de las manos afectan la dirección en la que se proyecta el sonido principal de la armónica. Puede ir hacia arriba, hacia abajo o hacia un lado en lugar de hacia adelante, y debe estar atento a esto al colocar el micrófono.

Para el productor Gareth Williams ( www.garethwilliamsaudio.com ), la selección y el posicionamiento del micrófono es una cuestión de qué tipo de sonido estás tratando de lograr.

"Realmente depende del género de la música y de lo agresivo que quieras que suene", dice. "La armónica puede ser el instrumento más suave y hermoso para las baladas, en cuyo caso buscas un tipo de sonido muy suave, pero en un contexto de rock es posible que quieras ese sonido muy cercano y directo. También depende de si estás grabando una parte principal o un acompañamiento. Es un poco como grabar coros y voces principales. Para las figuras de acompañamiento, puedes alejar un poco el micrófono o usar un micrófono de lápiz y quizás también un micrófono de ambiente; lo tratarías mucho más como un instrumento de orquesta. Si es la parte principal, querrás acercarte mucho con un diafragma grande, como lo harías con una voz principal".

Aunque los micrófonos dinámicos se asocian generalmente con estilos de interpretación amplificados y sostenidos con la mano, un micrófono dinámico colocado en un soporte a una distancia de la armónica de un palmo también puede dar buenos resultados cuando se busca un sonido más potente con menos agudos. Nuevamente, para captar más armónica y menos respiración, es una buena idea colocar el micrófono debajo de la barbilla del músico, apuntando hacia arriba, hacia la abertura de las manos.

Al ajustar los niveles, es importante apreciar el amplio rango dinámico de la armónica. Si bien los intérpretes expertos pueden tener un control perfecto de su respiración y el nivel de las notas, los organistas menos experimentados pueden ser impredecibles, especialmente cuando "doblan" las notas hacia abajo, una característica común en los estilos de blues y country.

"Es una buena idea poner a prueba al músico en los pitch bends", dice Steve Lockwood. "Muchos músicos tocan mucho más fuerte en los bends porque están intentando con más fuerza bajar la nota. Pero es importante no comprimir demasiado la armónica porque gran parte de su pasión está en su dinámica.

"Con la mayoría de los armonicistas", continúa, "es mejor grabarlos de pie, porque la mitad de la potencia proviene del diafragma. Al igual que con los vocalistas, es probable que toquen mejor una vez que hayan calentado, pero pueden comenzar a cansarse después de demasiadas tomas".

Armónica amplificada

Una vez que el micrófono se retira del soporte y se coloca en la mano del músico, el sonido cambia drásticamente. Hay una marcada reducción de agudos y un gran aumento en los graves y medios bajos, lo que proporciona el característico sonido de armónica potente y completo que se prefiere para el rock y el blues eléctrico. Pasar el micrófono por un amplificador de guitarra engrosa y comprime aún más el sonido, al tiempo que añade la distorsión y el grosor deseados.

Los orígenes de este sonido van de la mano con la evolución del blues eléctrico. En un intento de competir con las nuevas guitarras y bajos eléctricos, los armonicistas empezaron a utilizar amplificadores de guitarra. Al mismo tiempo, se desarrolló un nuevo estilo de interpretación a medida que los intérpretes se alejaban de los acordes resonantes del blues country para dedicarse a las tareas de solista, a menudo adaptando líneas de saxo y guitarra a la armónica. Los micrófonos que utilizaban los arpistas de finales de los años 40 y 50 eran primitivos según los estándares de los estudios modernos y estaban diseñados principalmente para la reproducción de voz, y su limitado ancho de banda y énfasis en los rangos medios (pensemos en el estereotípico efecto del "viejo teléfono"), junto con la tendencia a distorsionar cuando se presiona, van de la mano con el sonido clásico de la armónica del blues de Chicago.

Muchos músicos de blues dedicados consideran que un micrófono de arpa especializado es esencial, ya sea un original antiguo o una reproducción moderna (ver recuadro). Las opiniones difieren, pero para el músico de blues Keith Parker, cuya banda The Untouchables ( www.theuntouchablesblues.com ) graba en cinta en mono en el estudio de grabación totalmente analógico Gizzard Recording de Ed Deegan en el este de Londres, solo el equipo auténtico es suficiente.

"Lo que intentas hacer es que la armónica suene lo más fuerte posible, para poder competir con el guitarrista, el baterista, el bajista y cualquier otra persona que esté en la banda", dice Parker. "Intentas que suene como un saxofón, ese sonido fuerte y estridente de los años 50. La única forma de conseguirlo es utilizar el equipo que se hubiera utilizado en esa época. Yo utilizo un micrófono dinámico Shure Spher-O-Dyne de finales de los 60. Los micrófonos modernos tienden a ser demasiado buenos, demasiado limpios".

Del mismo modo que un armonicista lleva consigo varias armónicas para cubrir diferentes tonos, muchos viajan habitualmente con una selección de micrófonos diferentes. El armonicista de blues Lee Sankey ( www.leesankey.com ) lo explica: "La armónica, aunque es un instrumento acústico, también se puede considerar un instrumento amplificado, especialmente en el blues", dice Sankey. "Es como la diferencia entre grabar una guitarra acústica y una eléctrica. En el modo amplificado, el micrófono que se utiliza es análogo a la pastilla de la guitarra eléctrica, excepto que es mucho más fácil intercambiar micrófonos que pastillas. Utilizo muchos micrófonos diferentes. Puede ser un micrófono de cristal, un micrófono de reluctancia controlada, un micrófono magnético controlado... realmente todo se reduce a lo que está sucediendo en la sala y cómo se empareja un micrófono en particular con un amplificador en particular".

A pesar de que prefieren el método amplificado, ambos músicos están convencidos de que el micrófono y el amplificador son solo una pequeña parte del sonido. "Mucha gente ve la armónica amplificada como una especie de arte oscuro", dice Keith Parker. "Se obsesionan con el equipo, pero gran parte de ello es la técnica de interpretación. Utilizas la embocadura, el pecho, el diafragma. Nunca vas a conseguir que alguien cuya interpretación no sea del todo buena suene bien".

Hay una diferencia significativa entre el sonido del mismo micrófono usado en un soporte o en las manos del músico, y si las manos están ahuecadas alrededor del micrófono o no.

"Todo depende del músico en cuestión", coincide Sankey. "Cuando estaba de gira, me di cuenta de que muchos ingenieros de sonido nunca habían oído cómo suena realmente un músico de verdad. Si escuchas a alguien que realmente puede tocar una armónica de blues con un gran sonido, sin pasar por un amplificador, simplemente de pie frente a ti, es algo extraordinario. Así que me acerqué a quien se encargaba del sonido en un lugar y toqué un poco para ellos acústicamente, simplemente para decirles: este es mi tipo de sonido. Estar realmente en contacto con el sonido del músico antes de grabarlo es fundamental".

Al grabar a través de un amplificador, puedes microfonearlo exactamente como lo harías con una guitarra. La gran mayoría de los que tocan amplificadores prefieren el sonido más cálido de los amplificadores de válvulas en lugar de los de estado sólido, pero es importante mantener bajo control la cantidad de ganancia utilizada o el sonido pronto se volverá indistinto. También se debe pensar en la ubicación y el aislamiento del amplificador; como es de esperar cuando se conecta un micrófono directamente a un amplificador de guitarra, la retroalimentación es un gran problema potencial.

"El agarre del músico es crucial", afirma Steve Lockwood. "Si no se forma el sello correcto alrededor del micrófono y la armónica, no se obtienen las frecuencias graves. Pero un sello hermético también elimina la retroalimentación y, si el agarre no es correcto, el micrófono será más propenso a la retroalimentación".

Si este es el caso, aislar completamente el amplificador es la solución obvia y abre la posibilidad de grabar al músico acústicamente al mismo tiempo. Pero para los músicos expertos que pueden controlar y aprovechar la retroalimentación para obtener un tono y un sustain adicionales, tener el amplificador cerca, como lo estaría en una situación en vivo, es una parte importante de su sonido.

Si la instalación está disponible, es una buena idea tomar una señal paralela directamente desde el micrófono, tanto como red de seguridad como para abrir opciones de mezcla más adelante. Puedes lograr resultados perfectamente respetables utilizando hardware o software de modelado de amplificadores diseñado para guitarra, o simplemente conectando micrófonos de arpa de mano directamente a la mesa. Sin embargo, vale la pena recordar que, a diferencia de los micrófonos dinámicos de baja impedancia modernos, muchos micrófonos antiguos son de alta impedancia, por lo que se requerirá una caja DI adecuada o un preamplificador de micrófono con una función de entrada de alta impedancia.

La armónica amplificada tiene sus orígenes en el blues eléctrico, donde los músicos intentaban defenderse del ruido de las baterías y las guitarras eléctricas. Al igual que con la guitarra, el sonido se vio influenciado por la tecnología disponible en ese momento, con micrófonos con ancho de banda limitado y el propio amplificador haciendo una contribución significativa al sonido que todos conocemos hoy.

Mezcla y efectos

Si bien la armónica amplificada está naturalmente más comprimida que la armónica grabada acústicamente, en ambos casos puede valer la pena prestar atención a su nivel de automatización cuando se trata de mezclar.

"Cuando tocan en tonos altos, las armónicas realmente sobresalen de cualquier mezcla", dice Gareth Williams. "Al igual que con los oboes y las flautas, cuando tocan en su registro más alto, pueden realmente sobresalir de repente. Del mismo modo, en su registro más bajo pueden desaparecer por completo. A menudo me encuentro subiendo el nivel en las notas más bajas y bajándolo drásticamente en las más altas. También puedes hacer eso con el ecualizador, hasta cierto punto, reforzando un poco el extremo bajo y asegurándote de que no se vuelva demasiado áspero en el extremo superior. Alrededor de esa zona de 2-4 kHz, especialmente, puede ser un instrumento muy afilado, pero a veces quieres ese efecto".

El uso de un micrófono de arpa con copa tiende a producir un pico agudo un poco más bajo, alrededor de 1 kHz, que es posible que desees buscar o incluso enfatizar en un contexto de blues. Si quieres agregar definición y brillo o enfatizar la calidad entrecortada de la armónica, intenta aumentar el volumen en el área de 6 a 8 kHz, mientras que un aumento a 200-400 Hz agregará calidez y plenitud. No sucede mucho por debajo de este punto, y aplicar un filtro de paso alto a 150-200 Hz puede reducir el desorden de la mezcla y eliminar algo de ruido de manipulación.

En lo que respecta a los efectos, a muchos músicos de amplificadores les gusta utilizar el slap delay y la reverberación de resorte para aumentar su sonido en directo. Es muy fácil exagerar con estos efectos al grabar y, siempre que sea posible, es una buena práctica dejar que el músico escuche sus efectos sobre la mezcla de monitorización, pero grabar una señal más seca. Para la armónica acústica, especialmente cuando se utiliza el modo balada melancólica o banda sonora del Oeste, es prácticamente obligatorio utilizar una reverberación de buena calidad y sonido natural.

El Harmonica Honker, un pequeño micrófono con clip diseñado específicamente para armónica, y que también incluye un circuito de distorsión para agregar un poco de suciedad al sonido.

Aparte del delay y la reverberación, en los estilos tradicionales el uso de efectos suele ser mínimo. Para los más aventureros, cosas como la modulación en anillo y el filtrado por pasos pueden crear sonidos dramáticos e inusuales. Gareth Williams también sugiere algunas ideas de arreglos interesantes. "La armónica no debería tratarse simplemente como un instrumento solista destacado para las partes principales", dice. "De hecho, funciona muy bien simplemente sentándose en la mezcla duplicando algo más. Cuando se usa para acompañamiento, ya sea que se mueva rítmicamente o mantenga acordes sostenidos, la armónica suena mucho como un acordeón. Es algo que los compositores latinoamericanos, en particular, han combinado a menudo con cuerdas. Si mezclas una armónica con una sección de cuerdas, agrega este maravilloso efecto de coro natural. Como un acordeón o un órgano de iglesia, tienes todas estas lengüetas que están ligeramente desafinadas. Mezclas eso con las cuerdas y simplemente engorda todo. Es posible que ni siquiera te des cuenta de que la armónica está allí.

"Otra razón por la que la armónica es ideal para duplicar partes de cuerdas, pads de sintetizador o líneas de sintetizador es que se obtiene este fraseo natural que surge de la respiración del intérprete. Eso es muy difícil de reproducir de forma sintética o con samples. Nunca se consigue esa calidad humana y la aleatoriedad de movimiento que se consigue con un intérprete real. Incluso un poco de eso suele añadir algo especial".

Preparando el instrumento

Con una fuerte pretensión de ser el instrumento más vendido del mundo, la armónica viene en una gran variedad de tamaños, formatos y afinaciones, pero en todos los casos el principio de producción de ruido es el mismo: el aire de la boca del intérprete se dirige sobre cañas afinadas, generalmente hechas de una aleación de latón, lo que las hace vibrar.

Las entrañas de una armónica diatónica.

En el caso de la armónica diatónica, que se utiliza habitualmente para tocar blues y folk, un segundo juego de lengüetas que apuntan en la dirección opuesta permiten al intérprete acceder a un conjunto diferente de notas "aspirando" (aspirando aire) en lugar de soplar. La armónica diatónica estándar ofrece 19 notas diferentes en tres octavas en una tonalidad particular. Los intérpretes suelen llevar varias arpas en diferentes tonalidades para poder cambiarlas y adaptarse a la tonalidad de la canción que se está tocando. Como nota al margen, algunas armónicas diatónicas están afinadas según una entonación justa o pura, de modo que producen acordes limpios y claros y suenan perfectamente afinadas entre sí. Otras utilizan el sistema de temperamento igual, que tiene como objetivo ayudarlas a sonar más afinadas con otros instrumentos de temperamento igual, como el piano y la guitarra.

La armónica cromática, utilizada para tocar jazz y música clásica, así como folk y blues, cuenta con cuatro pares de lengüetas, cada una de las cuales está afinada un semitono por encima de la otra. Un mecanismo de corredera redirige el flujo de aire entre ellas y, de este modo, ofrece la escala cromática completa. Las armónicas cromáticas están disponibles en diferentes tamaños y tonalidades, y generalmente cubren tres o cuatro octavas. Si bien las armónicas diatónicas y cromáticas son las más comunes en la música occidental, existen muchas otras variantes de armónica interesantes, incluida la armónica de trémolo, que utiliza dos lengüetas ligeramente desafinadas para cada nota, lo que produce un efecto de coro natural distintivo.

Al igual que con cualquier instrumento, es importante asegurarse de que la armónica esté preparada adecuadamente para la grabación. Es perfectamente posible afinar una armónica si se tienen las herramientas y los conocimientos adecuados, pero en la práctica, un instrumento de buena calidad debería mantener su tono lo suficientemente bien. Cualquier músico competente comprobará que no haya lengüetas bloqueadas y mantendrá la armónica libre de saliva, que puede hacer que las notas trinan y se ahoguen, pero tenga cuidado con los anillos o cualquier otra joya que pueda traquetear o hacer clic contra la caja de la armónica durante la interpretación. Los músicos cromáticos deben tomar medidas para asegurarse de que el mecanismo de varas se mueva libremente y no haga ruido excesivo.

Micrófonos de armónica especializados

Cristal y cerámica

Algunos de los primeros micrófonos tipo "bala" utilizados para la armónica amplificada utilizaban un transductor de cristal piezoeléctrico acoplado a un diafragma de metal. Son de baja fidelidad según los estándares modernos y son los preferidos por los músicos de blues que buscan un sonido auténtico, distorsionado y honky. Los ejemplos antiguos fabricados por empresas como Astatic son muy apreciados, pero por su naturaleza, los elementos de cristal son muy frágiles y sensibles a la humedad, ¡no son grandes cualidades en un micrófono de mano en el que se sopla! Las reproducciones modernas, que incluyen un elemento de cristal o un transductor piezoeléctrico de cerámica más duradero, incluyen el popular Hohner Blues Blaster.

Hohner Blues Blaster

Reluctancia controlada y magnetismo controlado

Los micrófonos CR y CM, desarrollados por Shure, fueron precursores de los micrófonos dinámicos modernos. Mientras que los dinámicos tienen una bobina móvil, en estos diseños el diafragma está unido a un pasador metálico que se mueve dentro de un campo magnético. Estos transductores eran mucho más duraderos y los micrófonos como el famoso modelo 520 "Green Bullet" de Shure estaban destinados principalmente a uso civil y militar con sistemas de radio y megafonía. Reemplazados por los micrófonos dinámicos modernos, estos micrófonos ya no se producen a gran escala, pero varios distribuidores especializados en micrófonos de arpa los venden, recuperan y reconstruyen.

Micrófonos dinámicos

El Shure 520DX "Green Bullet" de hoy en día cuenta con un transductor dinámico convencional, pero está diseñado para reproducir la respuesta coloreada de su antecesor. Otros micrófonos dinámicos diseñados específicamente para armónica, como el Audix Fireball, están fabricados para soportar niveles altos de presión sonora y ofrecen una amplia respuesta de frecuencia para un sonido más natural y sin coloración. En ausencia de micrófonos especializados, un Shure SM58 o SM57 es un sustituto perfectamente adecuado; Steve Lockwood sugiere que el SM57 se adapta mejor a manos más pequeñas, pero la rejilla esférica más grande del SM58 proporciona un área de captación más amplia.

Shure 520 DX

Micrófonos de dedo y con clip

Algunos músicos utilizan micrófonos electret en miniatura especializados, diseñados para sujetarse al cuerpo de la armónica o para montarse en un anillo que se lleva en el dedo. Algunos están diseñados para una reproducción acústica natural. Otros, como el micrófono para dedo Harmonica Honker, incluyen un efecto de distorsión incorporado.


Este artículo no estaría completo sin una breve nota de agradecimiento a Steve Lockwood por su considerable ayuda. Tocador de armónica y músico de sesión durante los últimos 30 años, Lockwood ha aparecido en más de 70 álbumes y ha grabado con las orquestas Royal Philharmonic y Prague Philharmonic. Su último álbum en solitario, Between The Tracks, muestra lo versátil que puede ser la armónica, ofreciendo un recorrido vertiginoso por los estilos tradicionales del blues, el jazz y el country y aventurándose en territorios más experimentales de la música dance y el ambient. Además de su trabajo como intérprete virtuoso y músico de sesión, Steve también es profesor de armónica y realiza talleres de armónica regularmente por todo el Reino Unido.

David Greeves - ww.soundonsound.com