Grabación del Violín

Desde que los persas los inventaron hace varios siglos, los miembros de la familia de la viola y el violín se han vuelto omnipresentes. Son fundamentales para las orquestas sinfónicas, por supuesto, pero también han ocupado su lugar en las tradiciones vernáculas de todo el mundo, desde la India hasta Irlanda, y el violín quejumbroso y el bajo retumbante son pilares de los estilos musicales estadounidenses, desde el old-time hasta el bluegrass, el blues, el klezmer, el jazz, el C&W, el pop y el zydeco.

A pesar de todo, son sorprendentemente difíciles de grabar. En este artículo intentaré dar algunos consejos de mis treinta años de lucha con estas dulces bestias (es algo que me sale de manera natural; yo era bajista antes de dejarme seducir por la guitarra y mi abuelo era violinista).

Grabar en estilo clásico (cuartetos de cuerdas, secciones de cuerdas, etc.) es conceptualmente sencillo. De hecho, es tan sencillo que la técnica básica se puede resumir en un haiku:

1. Encuentra una buena habitación

2. Condensadores de diafragma pequeño

3. Técnica microfónica ORTF

Vale, hay variaciones; puede que prefieras los micrófonos de cinta en lugar de los de condensador, o un arreglo XY. Pero la esencia es sencilla: graba la sala en estéreo. A veces también puedes grabar una banda de folk o bluegrass de esa manera; una de mis grabaciones con mejor sonido, Little River Stomp de Buckhannon Bros., se realizó utilizando solo un par XY de Neumann KM 84 en la mayoría de las melodías.

Sin embargo, con mayor frecuencia, necesitarás usar varios micrófonos, ya sea mezclando directamente en dos pistas o haciendo varias pistas. Las mandolinas y los banjos son relativamente fáciles de microfonear; los violines (grandes y pequeños) no lo son. El problema es simple: los violines tienden a chirriar, los bajos tienden a retumbar. Abordaré primero a los más pequeños.

El violín

La mayor parte de la dificultad proviene de los patrones de radiación de los instrumentos. Estos son notablemente complejos; el sonido de un violín es principalmente el sonido de la tapa tallada vibrante, más un poco que proviene directamente de las cuerdas (parte del cual es ruido de colofonia al raspar). La placa superior está afinada a un conjunto complejo de resonancias, que emiten sonido en todas direcciones, produciendo el patrón de radiación del infierno.

Estos instrumentos estaban pensados ​​para ser escuchados en una habitación, no de cerca. Los violines y sus estilos de interpretación evolucionaron en los salones de Europa y en las cabañas de montaña de América para ser escuchados desde lejos: varios metros en el caso de la música de cámara, al otro lado de una gran sala en un concierto sinfónico o en un baile en un granero. Todo el material brillante que normalmente rebota en el techo y se atenúa se escucha cuando el micrófono está a 6″ de distancia. Al adaptar los instrumentos a los estilos de música folk y pop, hemos tenido que ajustar nuestra estética.

En el caso del violín, el cambio principal es que hemos aprendido a adoptar una preferencia tonal diferente. Soportamos mucho más roce; no, lo valoramos, porque ayuda al violín a destacarse entre el estruendo de los habitantes de una pista de baile ruidosa. Este cambio en la preferencia tonal es anterior a la amplificación, por supuesto, pero es interesante que en gran medida haya continuado. Aunque no del todo; muchos músicos de bluegrass y C&W parecen estar virando hacia una dirección más suave, y las bandas contemporáneas de contradance (muchos de cuyos violinistas tienen formación clásica) han ido aún más lejos. Lo mismo han hecho la mayoría de los músicos celtas.

La estética de esta música suele dictar técnicas de grabación naturalistas, a diferencia de (por ejemplo) la música rock o hip-hop, donde jugar con el sonido es parte de la historia. Desafortunadamente, las tendencias de la tecnología de grabación contemporánea lucharán contra ti en todo momento.

Dilemas de grabación

Piense en lo siguiente: la mayor parte del tiempo grabamos con micrófonos de condensador; en un estudio de proyecto típico, probablemente usemos preamplificadores de micrófono sin transformador (separados o como parte de una consola) y algún tipo de grabadora digital. Como la mayoría de nosotros vivimos con limitaciones financieras bastante estrictas, la mayoría de nuestro equipo se encuentra en los rangos de precios más bajos.

Seré franco: los equipos más baratos suelen ser más brillantes, nítidos y ásperos que los más caros. No pretendo ser un snob en lo que a equipos se refiere, solo quiero señalar la tendencia general. Una cadena de señal de bajo coste típica exacerbará todas las malas tendencias que pueda tener un violín y te dará una grabación que te perforará los oídos y asustará al perro.

Para complicar aún más las cosas, probablemente tendrás que poner el micrófono del violín bastante cerca. ¿Por qué? Porque la mayoría de los músicos que tocan este tipo de música no querrán grabar un instrumento a la vez, minuciosamente sobregrabado con la ayuda de una pista de clic. Esta es música de conjunto, donde dar y recibir es la mitad de la diversión, y eso significa tocar juntos. (Quizás, podrían sobregrabar las voces). A menos que tengas suficientes habitaciones aisladas para mantener los instrumentos separados mientras tocan, esto significa microfonear cerca y mantener un oído atento para evitar fugas.

Opciones de micrófono

Todo esto sugiere que el mejor micrófono para grabar a un violinista debería tener una respuesta plana en el eje, para evitar acentuar los chirridos, y debería ser lo más plana posible fuera del eje también. Esto descarta muchos, quizás la mayoría de los condensadores de diafragma grande, que a menudo tienen una respuesta brillante en el eje para ayudar a los vocalistas a destacar (y para impresionar a los compradores ingenuos en las salas de exposición). La respuesta fuera del eje suele ser desigual debido a la gran cápsula, que interactúa con el complejo patrón de radiación del violín (y el sonido de la sala y las fugas) para producir un sonido grabado que es francamente extraño. No quiero decir "nunca", ya que de vez en cuando he tenido buenos resultados microfoneando violines con condensadores de diafragma grande, pero ¿te conformarías con "casi nunca"?

La primera opción, para la mayoría de los músicos de grabación y violinistas, será un condensador de diafragma pequeño. En este caso, conviene evitar micrófonos como el Neumann KM 184 o el Shure KSM32, con sus pequeños picos de frecuencia de alrededor de 8-10 kHz. En cambio, el primer micrófono al que recurro cuando aparece un violín es el Neumann KM 84, que ya no se fabrica y que tiene una respuesta notablemente plana tanto dentro como fuera del eje (aparecen regularmente en Ebay). Otros micrófonos que utilizaría si los tuviera son el Schoeps CMC/Mk4 y el Sennheiser MKH 40; de hecho, el mejor sonido de violín en directo que he oído jamás provino de un MKH 40 que tenía para la reseña, junto al dulce violín del maestro de Shetland Aly Bain.

Neumann KM 84

Una alternativa, a un precio mucho más asequible, es el Oktava MC-012, pero tiene que ser un buen Oktava. Estos micrófonos rusos tienen un control de calidad notoriamente deficiente y, si coges cuatro de la estantería de tu tienda de descuento local, probablemente oirás cuatro sonidos diferentes. Recomiendo encarecidamente las unidades con control de calidad disponibles en Sound Room (www.oktava.com).

Al leer las reseñas de los últimos años, parece que hay una tendencia positiva hacia los condensadores de diafragma pequeño que no solo son asequibles sino que también son más equilibrados que brillantes. Un par de ejemplos son los RØDE NT5 y los Aston Starlight. No los he usado personalmente, pero las personas que sí lo han hecho me dicen que el extremo superior tiene un sonido inusualmente dulce para un condensador, lo que podría ser justo lo que necesita un violín.

RØDE NT5

Más alternativas

Por último, no te cases con el condensador. He hecho algunas grabaciones de violín excelentes con el micrófono de cinta M 260 de Beyerdynamic, y el M 160 (más caro pero aún mejor) ofrece buenas posibilidades. La mayoría de los micrófonos de cinta tienen un patrón en forma de 8, que probablemente no funcionará en una situación de alta fuga (y el rebote del violín desde el techo puede ser una verdadera molestia). Los Beyer, sin embargo, son hipercardioides, lo que también puede ayudar a mantener baja la fuga. Los micrófonos de cinta tienen una estructura completamente diferente a la de los condensadores: suave, suave, suave. (Excepto el M 500 de Beyerdynamic, que es brillante, brillante, brillante. No es un micrófono que yo elegiría para un violín). Sin embargo, es mejor que tengas un preamplificador de micrófono silencioso, especialmente para el M 160; estos tipos tienen baja salida.

M 160 de Beyerdynamic

Hablando de preamplificadores, un violín es un desafío muy difícil para la electrónica barata; todos esos sonidos agudos chocando entre sí excitarán todas las malas tendencias de la caja. Si tienes varios preamplificadores, probablemente deberías usar el mejor y más suave en el violín. Si no los tienes y planeas grabar mucha música de violín, probablemente deberías invertir en al menos un canal. Un Peavey VMP2 (descontinuado; de vuelta a Ebay) o un Great River MP-2 (no el MP-2NV, que es más brillante) harán maravillas por ti, y la diferencia entre un violín grabado en un preamplificador de este calibre y uno grabado a través de los preamplificadores de una consola barata no es divertida. Oirás la diferencia de calidad en un violín más rápidamente que en cualquier otro instrumento, excepto, tal vez, platillos o pandereta.

Una cosa más: no tengas miedo de salirte de la ruta principal. Al menos dos veces me he topado con violines que eran tan brillantes que el único micrófono que los hacía sonar bien era un Electro-Voice RE15 dinámico, que es muy plano hasta los 13 kHz y prácticamente no tiene nada a partir de ahí. Una de esas fue también una sesión clásica, con el micrófono puesto desde el otro lado de la sala. Nunca se sabe.

Ubicación

Ahora que has elegido tu micrófono, ¿dónde colocarlo? Aquí tendrás que experimentar; los violines son tan diferentes entre sí, y también lo son los intérpretes, que no puedo darte más que sugerencias generales. Apuntar directamente a las cuerdas maximiza el sonido de la resina y el raspado del arco, por lo general no es una buena idea a menos que realmente quieras ese sonido (algunos violinistas de baile muy exigentes pueden preferirlo). Probablemente deberías evitar los agujeros en forma de f, ya que tienden a resonar en una sola frecuencia. En cambio, a menudo me encuentro colocando el micrófono a 20 o 25 cm por encima del instrumento, sobre el mástil pero mirando hacia el cuerpo, tal vez apuntando a uno de los hombros del violín.

Sin embargo, esto variará según el músico; un violinista que conozco, un campeón nacional, coloca el micrófono 2″ por encima del hombro del violín en su lado derecho (sí, 2 pulgadas, puede mantenerse muy quieto) y obtiene un gran sonido en el M 260; el efecto de proximidad del micrófono ayuda a aumentar la riqueza del instrumento.

¿Y qué pasa con el violinista que se balancea y se mueve? Esto puede darte un sonido que cambia drásticamente de un momento a otro, de un compás a otro. En casos extremos, puede que tengas que recurrir a montar un micrófono de condensador en miniatura en el propio violín, como hacen muchos músicos para sus actuaciones en directo. He oído resultados excelentes con el Crown GLM100, y algunos de los pequeños Audio-Technica como el AT831b también pueden hacer un buen trabajo. El que realmente se destaca en esta aplicación en los últimos años es el DPA 4099, que viene con un soporte para violín muy elegante. Como siempre, busca la respuesta más plana y tendrás que experimentar mucho para encontrar una posición que dé un buen sonido sin estorbar al violinista.

Violín bajo

Si el problema de los violines es el chirrido, el problema de los violines bajos es el estruendo, ese ruido sordo, incompleto y sin tono que suena como una mala gramola en altavoces con cierta respuesta de graves, y como nada en absoluto en altavoces sin ella. Un buen contrabajo, en persona, tiene un tono hermoso, rico y amaderado, y puede servir como un maravilloso ancla para una banda. Pero ¿cómo grabar ese tono?

Comenzaré con dos grandes cosas que no se deben hacer. La primera es el truco tradicional de envolver un micrófono (normalmente barato) en espuma y empujarlo debajo del cordal detrás del puente. Esto es popular para las actuaciones en directo debido a la movilidad que ofrece al músico, y algunos bajistas lo prefieren a una pastilla. Pero la mayoría de las veces, el efecto de proximidad del micrófono crea ese infame ruido sordo.

Mi segundo "no", una idea igualmente mala, es microfonear los agujeros en forma de "f" a ambos lados del bajo. Mucha gente piensa que los agujeros en forma de "f" (como el agujero redondo de una guitarra de tapa plana) son "por donde sale el sonido", pero esa no es realmente la historia. Un instrumento de cuerda acústico es básicamente una cámara resonante, algo así como un altavoz bass-reflex; si pones tu oído cerca del puerto de un altavoz de este tipo y escuchas música (no demasiado fuerte, por favor), oirás que el puerto básicamente produce un rango estrecho de notas, agrupadas alrededor de una frecuencia particular. Esto refuerza el sonido general del woofer en la parte más baja, pero la mayor parte de la música sigue viniendo directamente del woofer.

Lo mismo ocurre con los instrumentos de cuerda. La mayor parte del sonido proviene de la vibración de la parte superior; sólo el extremo más bajo sale de los orificios. Si se coloca un micrófono delante del orificio en forma de F de un bajo, se obtiene mucho ruido y muy poca sensación de tono. (Como resultado de esta elección de micrófono, los oyentes que tienen altavoces pequeños sin fondo no oirán nada del contrabajo).

Retírese, si puede

¿Qué se hace entonces? Un contrabajo, como un violín, tiene un patrón de radiación complejo que proviene de su tapa, que vibra de manera complicada, y realmente se obtienen los mejores resultados si se toma distancia. Un micrófono a 1,20 o 1,80 m de distancia, donde los diversos elementos sonoros han tenido la oportunidad de mezclarse e integrarse en la sala, puede producir un sonido maravilloso, y sin la preocupación del efecto de proximidad de un micrófono cardioide. De hecho, tal vez el mejor sonido de bajo que he grabado fue cuando microfoneé a Jacob Blickenstaff, de la banda de James Stone Goodman, con un Blue Kiwi, colocado a unos 1,40 m delante del instrumento y a unos 1 m del suelo. Sonaba más realista, con una gran combinación de fuerza y ​​riqueza. De hecho, el sonido era ideal, hasta que el resto de la banda empezó a tocar.

Y luego, por supuesto, todo se vino abajo. La voz, la mandolina, incluso la guitarra clásica, se filtraron en el micrófono del bajo como una bomba. No sirve de nada, jefe; tenemos que pensar en otra cosa.

En esas circunstancias, he encontrado dos posiciones de micrófono que proporcionan una buena representación del sonido del bajo en una habitación. Una está a unos 15 cm por encima de las cuerdas, unos 7,5 cm por encima del puente en la mayoría de los instrumentos; la otra está en el hombro del instrumento opuesto al intérprete, a unos 10 o 15 cm del borde superior y aproximadamente a la mitad del mástil hasta el borde derecho, o quizás un poco más a la derecha. La distancia para la última ubicación suele oscilar entre 20 y 30 cm. (En ocasiones he utilizado dos micrófonos, uno en cada posición, y con el debido cuidado con las distancias y la cancelación de fase, he conseguido algunos sonidos muy agradables).

De cerca y un poco demasiado personal

La elección del micrófono es crucial, y los factores críticos son el efecto de proximidad y la respuesta de agudos. Un micrófono cardioide, que probablemente utilizarás para minimizar las fugas, normalmente tendrá un aumento sustancial en la respuesta de graves cuando se utiliza tan cerca (un hipercardioide tendrá incluso más). Tendrás que compensar en el preamplificador, la consola o el proceso de mezcla bajando los graves a partir de 100-125 Hz, o utilizar un micrófono con ese tipo de reducción incorporada.

¿Qué pasa con la respuesta de agudos? Recuerda que mucha gente escuchará tu grabación en sistemas con graves deficientes o inexistentes. Para que puedan escuchar alguna de las contribuciones de los graves a la música, se necesita un poco de truco; cierta acentuación de los armónicos más altos de los graves (el sonido de "madera") permite una percepción clara del tono y el ritmo, incluso para la gente que nunca escuchará un sonido fundamental. Puedes ecualizar eso, por supuesto, pero yo normalmente prefiero comenzar con la acentuación en la respuesta del micrófono.

Otros dos micrófonos asequibles que me han dado buenos resultados con los bajos son el Groove Tubes AM51, un condensador de diafragma grande que ya no se fabrica, y el Electro-Voice RE200 de diafragma pequeño. Ambos comparten un rango medio plano y sin color y un pico agudo alrededor de los 8-10 kHz que hace un buen trabajo para resaltar la mordida del bajo. A diferencia de muchos condensadores baratos, estos micrófonos carecen de la aspereza y la distorsión que provienen de la electrónica deficiente; suenan notablemente limpios.

El AM51 tiene suficiente efecto de proximidad como para que normalmente tenga que usar una atenuación de graves en el preamplificador, además de la atenuación conmutada en el micrófono. El RE200 tiene una atenuación bastante pronunciada incorporada, que normalmente funciona bien sin ayuda adicional.

Otra forma de evitar los problemas de proximidad es utilizar un micrófono dinámico “Variable-D®”, que está diseñado para minimizar el efecto; el que he encontrado más útil en los bajos es el Electro-Voice RE20. En lugar de la claridad prístina del AM51 o RE200, el RE20 tiene un sonido carnoso y completo, y su pico de agudos aún resalta la madera. También es hipercardioide y bastante plano fuera del eje, una ventaja en estudios con mucha fuga de señal.

¿Pastillas, amplificadores?

¿Y qué pasa con las pastillas? De vez en cuando, he utilizado una alimentación DI de una pastilla magnética de buena calidad, pero siempre como complemento a un micrófono. Por sí sola, el sonido de la pastilla suele ser demasiado medio para mi gusto, pero a veces puede añadir un poco de pegada a un instrumento monótono. Sin embargo, yo sólo probaría esto en una grabación multipista; le daría a la pastilla una pista propia y sería bastante comedido en cuanto a su uso en la mezcla. (Asegúrate, por supuesto, de conectar la pastilla a una caja directa activa de alta impedancia, un preamplificador de instrumento o un preamplificador de micrófono con una buena entrada de instrumento). ¿Pastillas piezoeléctricas? No para mí, gracias.

¿Debe el bajista utilizar un amplificador mientras graba? ¡No, no, mil veces no! De todos modos, el bajo se filtrará a los micrófonos de los demás; un amplificador solo empeorará las cosas. Si el bajista tiene problemas para escucharse a sí mismo en medio del ruido, bueno, para eso están los auriculares.

La elección del preamplificador también es importante en el caso de los bajos, aunque por diferentes motivos. En mi experiencia, un buen preamplificador sin transformador es ideal para los bajos, ya que su respuesta transitoria de baja frecuencia puede ser excelente. La mayoría de nosotros no podemos permitirnos comprar preamplificadores Millennia Media, aunque los modelos portátiles modernos están intentando cambiar eso; también he obtenido excelentes resultados con un Sytek, y mucha gente confía en el carácter limpio y claro de los preamplificadores Grace Design.

Las violas y violines de todo tipo han sobrevivido, casi sin cambios, durante cientos de años, y una de las razones es que producen sonidos extraordinariamente complejos e interesantes. Las cosas que hacen que sea un desafío grabarlos son también, creo, las razones de su duradera popularidad. Puedes hacer que hablen, canten, lloren o gruñen, y las posibilidades expresivas son casi infinitas. Vale la pena el esfuerzo de grabarlos bien.

Paul Stamler - www.recordingmag.com