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Aunque Ritson hace un uso extensivo de plug-ins mientras trabaja en Logic, es un apasionado defensor del hardware. “Una vez que mi audio está en la caja, necesito que permanezca en la caja”, dice sobre su método de trabajo. “Pero eso es realmente por razones prácticas porque necesito alternar entre tres pistas diferentes en el transcurso de un día, llevar un proyecto entre este estudio y mi estudio en casa, volver a algo que hice hace un año, etc. Sin embargo, en el camino hacia la caja, me inclino cada vez más a pensar que no hay nada mejor que el verdadero sistema externo. Pasé muchos años diciendo: 'Bueno, los plug-ins te llevan al 90 por ciento del camino'. Pero ahora estoy operando en ese 10 por ciento final. Estoy tratando de hacerlo lo mejor posible humanamente.
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| Aunque Ritson sugiere que, en circunstancias normales, la mayoría de los preamplificadores de micrófono suenan similares, habitualmente elige diferentes preamplificadores por el carácter que imparten cuando se los "activa". Entre las unidades que se muestran aquí se encuentran su preamplificador Chandler Abbey Road Series REDD 47, un Avalon VT-737SP, un canal de serie E SSL montado en rack y un Universal Audio LA-610 MkII. |
“Por ejemplo, tengo un canal SSL de la serie E que fue creado por Funky Junk. Probé cinco plug-ins de ecualización de la serie E diferentes; ninguno de ellos me brinda esa sensación de emoción. Es totalmente indefinible. Cuando comparas un plug-in con el producto real, suenan casi igual, pero la presencia y la energía nunca son exactamente las mismas. Todo el mundo puede hacer música ahora. Todo el mundo puede lanzarla ahora, lo que significa que hay muchísimo producto ahí fuera. Y todo está bastante bien hecho. Así que para abrirse paso a través de eso, como artistas y productores realmente tienes que dar un paso adelante y decir: 'Simplemente ser bastante bueno no es suficiente'. ¡Necesitas ese último 10 por ciento de, 'Oh wow, eso realmente suena bien'!
“Cuando capturo las voces, me obsesiono cada vez más con los preamplificadores. Tengo diferentes preamplificadores para diferentes décadas. Tengo el Chandler Abbey Road Series REDD 47, que me da una especie de sonido crujiente de los años 60. Luego está el Universal Audio LA-610, que es mi preamplificador general de referencia y tiene un sonido muy útil pero muy clásico. Para un sonido tipo transistor de los años 70, tengo un Chandler TG2, luego el canal de la serie SSL E si estoy haciendo algo con un sonido tipo transistor de los años 80, con mucha presencia. Luego un Avalon VT-737SP que uso para un sonido tipo R&B de los años 90. Todos suenan más o menos igual si tienes una estructura de ganancia muy sensata. Sin embargo, a medida que comienzas a forzarlos, comienzan a inyectar mucho carácter.
“Así que se convierte en un proceso muy delicado. Por ejemplo, si estás grabando en algo como este Chandler REDD 47, quieres que se vaya rompiendo, para conseguir el color a medida que empieza a saturarse y los armónicos que le dan carácter. Pero descubres que, con estas entregas vocales tan emotivas, puedes tener una palabra muy tranquila y una palabra muy fuerte en la misma frase y descubro que a menudo estoy bastante involucrado en la grabación, cambiando físicamente la etapa de ganancia a lo largo de una frase.
“¡Así que me he convertido en un poco nerd de los preamplificadores! Es una de esas cosas en las que si comparas elementos individuales casi no puedes detectar la diferencia, pero si haces suficientes cambios incrementales a lo largo de un proyecto, terminas con un disco del que todos dicen: 'Vaya, eso suena genial, ¿cómo logras que suene así?' Y la respuesta es: ¡muchos pequeños pasos y mucha atención a los detalles!
“También debo decir que voy a utilizar una tarjeta de sonido Prism Lyra. El simple hecho de capturar lo que estás grabando con una conversión realmente buena marca una gran diferencia. Siempre descubro que si hay un proyecto en el que otras personas han grabado cosas en otros lugares y yo he grabado cosas aquí a través de Prism, de alguna manera lo que sale a través de Prism está ahí, frente a ti. Es el producto real en lugar de una copia de segunda mano, de alguna manera. Simplemente se siente de una manera diferente”.
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| Ritson enfatiza la necesidad de contar con micrófonos de alta calidad, pero a menudo utiliza uno de dos para sus grabaciones vocales: una recreación moderna de Flea Microphones de un micrófono de válvula Neumann U47 y un Neumann U87. |
Aunque Ritson puede que sea un gran experto en la selección de preamplificadores, sus preferencias de micrófonos son relativamente sencillas, aunque no menos refinadas. “Tengo dos micrófonos de referencia para uso general, que son el U87 y el U47”, dice. “Si hay un sonido específico que quiero, uso otras cosas, pero ese es mi trabajo diario. Tengo un Neumann U87 y el U47 es la recreación de Flea Microphones, que parece bastante buena. La forma en que tiendo a pensar en ellos es que el 87 es un CD y el 47 es cinta y vinilo. Entonces, si quiero un tipo de sonido muy brillante y pulido, opto por el 87. Si quiero algo más cálido y redondo, opto por el 47.
“Pero, mucho más que eso, se trata de emparejar el micrófono con el vocalista, porque la diferencia entre los micrófonos es, fundamentalmente, algunas curvas de ecualización. Puedes comenzar una sesión pensando 'Quiero un sonido pop brillante y con presencia, así que el U87 va a ser genial', y en realidad el cantante ya tiene eso en su voz y los dos juntos suenan horribles. Entonces, a veces necesitas el micrófono que es el opuesto del cantante para equilibrarlo".
“Si usas equipos analógicos, siempre te das cuenta de que tienes que dedicar mucho menos tiempo a ajustarlos. Así que, donde antes tenías tres ecualizadores enchufables y un montón de compresores, si simplemente pasas por un canal SSL y consigues que suene bien al entrar, es como, 'No necesito hacer nada con esto'. Si sé cómo quiero que sea el ecualizador, lo ecualizaré al entrar. De manera similar, todo termina masivamente comprimido hoy en día, así que también puedo hacerlo al entrar. Y descubrí que puedes hacer funcionar un compresor analógico mucho más que un plug-in sin notar que está haciendo algún trabajo”.
Según Ritson, la estética particular del deep house tiene algunas ventajas claras a la hora de mezclar voces. “El sonido deep house tiene más en común con la estética minimal house, donde puedes hacer que una pista funcione con bombo, caja, hi-hat, un sonido de bajo y un efecto o sonido principal. Así que hay mucho espacio para poner las voces”, afirma.
“A mediados de los 2000, la gente hacía samples de discos disco enteros, discos pop de los 80 enteros, y el sample ya tenía todas las frecuencias ocupadas. Luego, encima de eso, añadías tu propio bombo, línea de bajo y efectos. Así que tenías una pista que ya estaba ocupada, luego añadías más cosas, y luego probablemente le añadían compresión multibanda para que estuviera aún más llena. Después, circulaba por los clubes como un dub y la gente decía: 'Pongamos una voz encima'. Literalmente, no había espacio para poner una voz, porque todas las frecuencias ya estaban ocupadas.
“En términos de dónde se ubican las cosas en la mezcla, en realidad es muy bueno que estas antiguas técnicas de grabación vocal conmovedoras tengan un color sonoro totalmente diferente en comparación con los elementos muy sintéticos del resto de la pista: los 909, los M1, etc. Así que se ubican en lugares totalmente diferentes. La mayoría de las veces, será una línea vocal solista en lugar de un montón de pistas dobles o BV. Nuevamente, es una rebelión contra la música comercial convencional, donde todo se graba muchas veces y se apila. Esto es lo opuesto: esta entrega solitaria y hermosa”.
Por supuesto, tener un gran cantante para grabar en primer lugar es muy importante. Si bien esto podría haber sido un hecho en el pasado, Ritson sugiere que ya no es así. "Tenemos un sonido vocal pop en este momento, en el que realmente no tienes que ser un gran cantante para crearlo", dice. "Lejos de mí está la idea de criticar a los concursantes de programas como The X Factor. La música pop siempre ha tenido algunas personas que están en la industria por su personalidad, su apariencia y otras cosas más allá de su canto puro. Pero con todas las opciones de afinación y edición disponibles en estos días, el listón es mucho más bajo en cuanto a cuánta experiencia y habilidad necesitas en comparación con cuán competente será el resultado final.
“Eso no se aplica al deep house, porque hay que escuchar el alma y la emoción. Se trata de los bends, el vibrato. Esta no es música autotuneada, en general. Estos son cantantes que saben cómo moverse a través de las notas azules, cómo tocar algo ligeramente desafinado y afinarlo. El punto de partida tiene que ser alguien que cantó gospel en la iglesia, que ha estado cantando en una jam session de soul-funk todas las semanas durante 10 años. Ese es el nivel de la vieja escuela.
“Con mis sesiones vocales, trato de no dejar que duren más de dos horas, tal vez no más de una. Realmente no trabajo con cantantes que no saben cantar. Entonces, si la canción dura tres minutos, ¿cuánto tiempo debería llevar grabar las voces, a menos que estés haciendo muchos coros superpuestos? Si llegas a la toma 80, se pierde toda la espontaneidad. Soy un gran fanático de las primeras tomas.
“Con algunos músicos, tienes que ponerlos en su zona de confort. Otros son aburridos en su zona de confort y tienes que ponerlos fuera de ella. Trabajo mucho con [el guitarrista] Guthrie Govan y es tan increíblemente brillante en todo que mi cosa favorita para hacer es sacarlo lo más posible de su zona de confort, por ejemplo, haciéndole tocar en una pista de un género en el que normalmente nunca toca, sin tocarle primero o decirle la tonalidad antes de presionar el botón de grabar. Porque con él, es lo suficientemente bueno como para poder entenderlo y obtienes emoción y frescura en él al responder a esa sorpresa. Con un músico diferente, un enfoque totalmente diferente sería lo correcto.
“A veces utilizamos ese tipo de enfoque con los vocalistas. Si son buenos cantantes y están acostumbrados a improvisar, les doy algunas ideas para las letras o tal vez les enseño una frase clave, pero luego simplemente pulso grabar. La improvisación se ha perdido mucho en la música pop, pero creo que nunca se puede superar la emoción de capturar el momento en que algo realmente llega al mundo”.
“Pero, mucho más que eso, se trata de emparejar el micrófono con el vocalista, porque la diferencia entre los micrófonos es, fundamentalmente, algunas curvas de ecualización. Puedes comenzar una sesión pensando 'Quiero un sonido pop brillante y con presencia, así que el U87 va a ser genial', y en realidad el cantante ya tiene eso en su voz y los dos juntos suenan horribles. Entonces, a veces necesitas el micrófono que es el opuesto del cantante para equilibrarlo".
Gestión de mezclas
La técnica de Ritson para configurar un bus vocal clásico significa que las largas cadenas de plug-ins involucradas se pueden ajustar durante todo el proceso de mezcla, pero en estos días es igualmente probable que tome una serie de otras decisiones en origen. "Me estoy volviendo cada vez más agresivo con la forma en que uso el sistema externo", dice. "Durante los últimos 10 años, he estado usando la mentalidad de simplemente intentar capturar todo de manera precisa y neutral, luego, una vez que está en la caja, puedo hacer que suene como quiera con los plug-ins. Y eso es algo completamente sensato de hacer. Sin embargo, a medida que he ganado más confianza como productor, ya sé cómo quiero que suene. Tengo una visión y estoy apuntando a ella y sonará mejor si se hace en el sistema externo en lugar de con el plug-in, así que también puedo hacerlo sobre la marcha.“Si usas equipos analógicos, siempre te das cuenta de que tienes que dedicar mucho menos tiempo a ajustarlos. Así que, donde antes tenías tres ecualizadores enchufables y un montón de compresores, si simplemente pasas por un canal SSL y consigues que suene bien al entrar, es como, 'No necesito hacer nada con esto'. Si sé cómo quiero que sea el ecualizador, lo ecualizaré al entrar. De manera similar, todo termina masivamente comprimido hoy en día, así que también puedo hacerlo al entrar. Y descubrí que puedes hacer funcionar un compresor analógico mucho más que un plug-in sin notar que está haciendo algún trabajo”.
Según Ritson, la estética particular del deep house tiene algunas ventajas claras a la hora de mezclar voces. “El sonido deep house tiene más en común con la estética minimal house, donde puedes hacer que una pista funcione con bombo, caja, hi-hat, un sonido de bajo y un efecto o sonido principal. Así que hay mucho espacio para poner las voces”, afirma.
“A mediados de los 2000, la gente hacía samples de discos disco enteros, discos pop de los 80 enteros, y el sample ya tenía todas las frecuencias ocupadas. Luego, encima de eso, añadías tu propio bombo, línea de bajo y efectos. Así que tenías una pista que ya estaba ocupada, luego añadías más cosas, y luego probablemente le añadían compresión multibanda para que estuviera aún más llena. Después, circulaba por los clubes como un dub y la gente decía: 'Pongamos una voz encima'. Literalmente, no había espacio para poner una voz, porque todas las frecuencias ya estaban ocupadas.
“En términos de dónde se ubican las cosas en la mezcla, en realidad es muy bueno que estas antiguas técnicas de grabación vocal conmovedoras tengan un color sonoro totalmente diferente en comparación con los elementos muy sintéticos del resto de la pista: los 909, los M1, etc. Así que se ubican en lugares totalmente diferentes. La mayoría de las veces, será una línea vocal solista en lugar de un montón de pistas dobles o BV. Nuevamente, es una rebelión contra la música comercial convencional, donde todo se graba muchas veces y se apila. Esto es lo opuesto: esta entrega solitaria y hermosa”.
Valores vocales
“Cuando se habla de producción vocal, se tiende a hablar de plug-ins y dispositivos externos, pero lo más importante que tienes a tu disposición es el cantante”, dice Ritson. “Todos los grandes productores de discos, el trabajo que han hecho realmente consiste en sacar lo mejor de los artistas y músicos de sesión, no lo mejor del equipo”.Por supuesto, tener un gran cantante para grabar en primer lugar es muy importante. Si bien esto podría haber sido un hecho en el pasado, Ritson sugiere que ya no es así. "Tenemos un sonido vocal pop en este momento, en el que realmente no tienes que ser un gran cantante para crearlo", dice. "Lejos de mí está la idea de criticar a los concursantes de programas como The X Factor. La música pop siempre ha tenido algunas personas que están en la industria por su personalidad, su apariencia y otras cosas más allá de su canto puro. Pero con todas las opciones de afinación y edición disponibles en estos días, el listón es mucho más bajo en cuanto a cuánta experiencia y habilidad necesitas en comparación con cuán competente será el resultado final.
“Eso no se aplica al deep house, porque hay que escuchar el alma y la emoción. Se trata de los bends, el vibrato. Esta no es música autotuneada, en general. Estos son cantantes que saben cómo moverse a través de las notas azules, cómo tocar algo ligeramente desafinado y afinarlo. El punto de partida tiene que ser alguien que cantó gospel en la iglesia, que ha estado cantando en una jam session de soul-funk todas las semanas durante 10 años. Ese es el nivel de la vieja escuela.
“Con mis sesiones vocales, trato de no dejar que duren más de dos horas, tal vez no más de una. Realmente no trabajo con cantantes que no saben cantar. Entonces, si la canción dura tres minutos, ¿cuánto tiempo debería llevar grabar las voces, a menos que estés haciendo muchos coros superpuestos? Si llegas a la toma 80, se pierde toda la espontaneidad. Soy un gran fanático de las primeras tomas.
“Con algunos músicos, tienes que ponerlos en su zona de confort. Otros son aburridos en su zona de confort y tienes que ponerlos fuera de ella. Trabajo mucho con [el guitarrista] Guthrie Govan y es tan increíblemente brillante en todo que mi cosa favorita para hacer es sacarlo lo más posible de su zona de confort, por ejemplo, haciéndole tocar en una pista de un género en el que normalmente nunca toca, sin tocarle primero o decirle la tonalidad antes de presionar el botón de grabar. Porque con él, es lo suficientemente bueno como para poder entenderlo y obtienes emoción y frescura en él al responder a esa sorpresa. Con un músico diferente, un enfoque totalmente diferente sería lo correcto.
“A veces utilizamos ese tipo de enfoque con los vocalistas. Si son buenos cantantes y están acostumbrados a improvisar, les doy algunas ideas para las letras o tal vez les enseño una frase clave, pero luego simplemente pulso grabar. La improvisación se ha perdido mucho en la música pop, pero creo que nunca se puede superar la emoción de capturar el momento en que algo realmente llega al mundo”.
Consejos sobre equipamiento
“Lo único que le diría a los productores en ciernes es que hay muchas cosas en las que pueden gastar su dinero, pero las que realmente quieren comprar son un buen micrófono, un buen preamplificador y buenos monitores”, dice Ritson. “Tienes que capturar cosas que suenen bien al entrar y tienes que poder escuchar lo que estás haciendo. ¿Y el complemento intermedio? Para ser honesto, normalmente puedes hacer todo con lo que viene gratis con tu DAW. Y el preamplificador es tan importante como el micrófono. Sé que la gente siempre dice eso, pero no podría ser más cierto. |
| Monitores Klein + Hummel O300 de Ritson. |
“Con un preamplificador realmente bueno, debes recordar que puedes usarlo incluso si estás trabajando en la caja. Hay una próxima canción de Duke Dumont llamada 'Feel' que usa los sonidos tipo M1 [de Korg]. Inusualmente para esa era, Korg hizo un muy buen plug-in para el M1. Aún así, ¿por qué no suena igual que el M1 real? No es necesariamente que los algoritmos, los sonidos reales, sean diferentes. Pero el M1 original habría llegado a través de la mesa, mientras que el plug-in no. Entonces, hicimos pasar el plug-in a través de las válvulas en el preamplificador LA-610 [de Universal Audio] y luego lo ecualizamos en la serie E de SSL e intentamos distorsionar ligeramente ambos. Entonces, incluso trabajando con plug-ins, si tienes un preamplificador realmente bueno, puedes usarlo para agregar pegada y carácter al sonido”.
David Greeves - www.soundonsound.com
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