En la vida real, escuchamos el sonido en tres dimensiones, y aunque una producción estéreo obviamente coloca todas las fuentes de sonido frente al oyente en un escenario sonoro de izquierda a derecha, a menudo puede parecer más difícil lograr una buena sensación de profundidad de adelante hacia atrás cuando se trabaja con dos altavoces. Los sonidos cercanos tienden a ser más fuertes que los lejanos, y eso es bastante fácil de imitar, pero también hay muchos otros factores y, en consecuencia, se puede hacer mucho más que simplemente confiar en los faders de nivel. Por eso, en este artículo, te mostraré varias maneras de manipular este aspecto de tu mezcla.
Ecualización
Si desea colocar un elemento al final de la mezcla, no solo debe ser más silencioso que los sonidos iniciales, sino que también debe tener menos agudos para emular la forma en que el aire absorbe las frecuencias agudas. También puede ser conveniente atenuar algunos graves por debajo de 150 a 200 Hz para potenciar la ilusión de distancia. Si el instrumento en cuestión se grabó con un micrófono, usar una mayor distancia del micrófono en la etapa de grabación también puede ayudar a consolidar la ilusión.
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| Suprimir una parte de los agudos y graves con un filtro de corte alto y uno de corte bajo respectivamente puede ayudar a que los sonidos parezcan más distantes. |
Reverb
Al aplicar reverberación a sonidos distantes, elija un tipo de reverberación difusa adecuada (en otras palabras, una sin demasiado detalle) y también suavice algunos agudos, como hizo con la propia fuente de sonido. Los sonidos distantes tienden a encontrar un mayor número de superficies reflectantes que los sonidos cercanos, por lo que puede permitirse agregar más reverberación a los sonidos que desea colocar al final de la mezcla. Sin embargo, no exagere con la reverberación, a menos que su producción musical tenga una necesidad artística para ello: los discos modernos tienden a mezclarse muy "secos" en comparación con los excesos de los años 70 y 80. Como regla general, cuanto más espacio deje en la mezcla, más reverberación puede usar sin absorber todo el espacio. Las mezclas cargadas generalmente se benefician de menos reverberación o del uso de programas de ambiente que generan solo reflexiones tempranas.
Eco
Combinar el eco repetido con la reverberación es una excelente manera de crear una sensación de distancia, especialmente si tienes un eco de cinta (o una emulación de plug-in de uno), ya que las repeticiones son menos precisas que con un delay digital estándar. Sin embargo, si solo tienes un delay digital disponible, intenta atenuar los agudos por encima de 4 kHz y los graves por debajo de 200 Hz. También vale la pena experimentar con emulaciones de delay analógico, ya que las repeticiones tienden a ser muy apagadas e indistintas.
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| Los plugins de emulación de eco de cinta, como el Universal Audio RE201 Space Echo, pueden usarse para crear una sensación de distancia. Si no tienes acceso a eco de cinta, puedes probar con un retardo digital y reducir los agudos a unos 4 kHz y los graves a unos 200 Hz. |
Modulación
Efectos como el chorus tienden a empujar los sonidos hacia atrás en la mezcla haciéndolos sonar menos enfocados, así que puedes usar chorus o un efecto de modulación similar en pads de teclado que están diseñados para ubicarse detrás de todo lo demás. También puedes lograr un resultado similar usando un pitch shifter de dos canales para agregar dos capas más, una desplazada hacia arriba unas siete centésimas y la otra hacia abajo en la misma cantidad. Dimension D de Roland (o su plugin equivalente) también puede crear una sensación de difusión espacial similar a la del chorus sin sonar tan obvio. Si necesitas usar chorus en un sonido que se supone que debe estar al frente de la mezcla, como a veces sucede con la guitarra, mantener la parte sonando brillante y sin reverberación excesiva suele ser la solución.
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| Efectos de modulación como el chorus Dimension D de Roland pueden ayudar a difuminar el enfoque de un sonido, alejándolo del frente del escenario sonoro y dejando espacio para que otros sonidos avancen. Como alternativa, puedes probar un cambio de tono desafinado y panoramizado. |
Crear contraste
La perspectiva se basa en el contraste, así que, si bien los sonidos se pueden atenuar haciéndolos menos brillantes y más reverberantes, deben equilibrarse con sonidos más brillantes y secos al frente de la mezcla. No cometas el error de intentar que cada elemento suene impecable por sí solo, o encontrarás la parte trasera del estudio sonoro vacía y la delantera algo saturada.
Voces al frente
La voz principal sonará más directa si se le aplica poca o ninguna reverberación. Puedes crear efectos muy impactantes si algunos elementos vocales se mantienen completamente secos, con un aumento de ecualización de alta frecuencia entre 7 y 10 kHz para añadir un toque de aire. Probablemente no usarías esto para una voz que se extiende durante toda la canción, pero para alguna frase íntima que necesite sonar muy cercana al oyente, puede ser bastante impactante. La compresión también puede ayudar a resaltar los detalles de la respiración en una parte vocal íntima, haciéndola sentir mucho más cercana al oyente.
Delay
Considere usar delays en lugar de reverb para añadir espacio a las voces. Alternativamente, combine delay con una menor cantidad de reverb, o use reverb con un pre-delay largo (en la región de 90 a 110ms). Como los sonidos cercanos tienden a ser más brillantes que los más distantes, a menudo puede permitirse usar una reverb más brillante con reflexiones tempranas más pronunciadas para tratar su voz principal. A menudo es útil configurar dos reverbs diferentes: una un sonido bastante genérico como un plato; y la otra un patrón de reflexiones tempranas o ambiente. De esa manera, puede equilibrar el carácter de las reflexiones tempranas con el carácter más obvio de reverb del plato. Los delays también pueden ser maravillosos para crear un gran sonido de solo de guitarra de rock de estadio mientras se mantiene el solo muy al frente.
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| H Delay de Waves |
Planes de Mezcla
Planifica tu instrumentación y arreglos para que los sonidos que elijas no entren en conflicto con tus planes de mezcla. Por ejemplo, los pads de sintetizador muy brillantes son más difíciles de mover al fondo del escenario que los más apagados. De igual manera, si los coros suenan más brillantes que la voz principal, es menos probable que se ubiquen detrás de ella. Claro que hay excepciones, donde se supone que los coros deben destacar (piensa en "Video Killed the Radio Star", por ejemplo), pero por regla general, la voz principal es la que quieres que tu público perciba más. Añadir más reverberación a los coros, o grabarlos en doble pista, puede facilitar su colocación detrás de la voz principal.
Si usas baterías sampleadas, intenta usarlas con poca o ninguna ecualización adicional, incluso si la tentación es intentar que suenen aún más potentes y brillantes. A menos que el género musical requiera que la batería esté al frente de la mezcla, elegir un sonido más natural te ayudará a crear perspectiva.
Ecualizador automatizado
En lugar de usar la automatización de nivel para atenuar el volumen de elementos como guitarras y pads para dar paso a las voces, prueba a usar un ecualizador de corte superior automatizado, usando un filtro paso bajo con una pendiente de 12 o 18 dB/octava, solo para suavizar el sonido cuando se reproduce algo más o donde coincide con las voces. Puedes usar esta técnica sola o en combinación con una automatización de nivel sutil, pero el truco está en no exagerar el corte superior, de lo contrario, se volverá obvio para el oyente, que no es lo que quieres. Comprueba los resultados subjetivos escuchando desde fuera del estudio con la puerta abierta. Si has tenido éxito en crear profundidad en tu mezcla, aún debería ser audible al escuchar de esta manera y también estarás en una buena posición para juzgar el balance general.
¡Ajuste en contexto!
Siempre es una tentación aislar los elementos individuales dentro de una mezcla cuando estás pensando qué ecualización y procesamiento usar, pero a menos que tengas mucha experiencia, esto tiende a dejarte con muchos sonidos grandes y brillantes compitiendo por la posición principal, como advertí antes. En la mayoría de las mezclas pop, las voces deben estar al frente, las guitarras y las partes principales del teclado se ubican ligeramente detrás, junto con la batería, y luego los elementos adicionales como los pads y los coros pueden retrasarse aún más. La percusión también puede retrasarse y panoramizarse más del centro. Escucha la producción de The Who de "Won't Get Fooled Again" y notarás que esos potentes sonidos de guitarra y batería son mucho menos brillantes de lo que podrías imaginar, lo que permite que la voz realmente se destaque: ¡la tendencia moderna de ecualizar todo para que pueda cortar el cristal no siempre es una buena estrategia!
Conclusión
Para que estos trucos funcionen en tu propia música, debes decidir qué elementos quieres colocar y dónde, y, cómo con cualquier técnica de mezcla, es importante entrenar el oído. Así que, además de probar estas técnicas, intenta escuchar las pistas comerciales que te gustan para ver si puedes identificar qué técnicas se utilizan: pronto te resultarán naturales.
Paul White
