Mejorar una mezcla ajustando el Timbre

Por fin has encontrado el sonido perfecto: unas cuerdas sedosas o la caja con compuerta. Individualmente suenan genial, Pero, de alguna manera, simplemente no suena tan bien en la mezcla como lo hacía por sí solo. ¿Te suena familiar? A veces también funciona al revés: los parches que suenan poco interesantes por sí solos resultan ser perfectos en el contexto adecuado.

Hay muchas formas de hacer que una mezcla suene bien o mal, pero si la instrumentación no funciona al principio, te costará mucho arreglar las cosas más tarde. La buena orquestación es un arte en sí misma, pero se convierte en un desafío especialmente grande cuando los sonidos no son naturales. Puedes adivinar cómo sonará un piano con un parche de cuerdas encima, pero ¿cómo sonará un Prophet 5 haciendo "glish" con un DX7 haciendo "fwoomp" encima? ¿Existen pautas que te ayuden a encajar timbres sintéticos en una mezcla? Afortunadamente, existen, aunque no hay sustituto para educar tus propios oídos a través de la experiencia, y trataré de presentar algunas de esas pautas en este artículo.

La teoría

En nuestra búsqueda de esa esquiva "mezcla caliente", pocas cosas nos ayudarán más que una comprensión de la naturaleza del sonido y la audición humana.

Las vibraciones son la materia prima del sonido. La tecnología musical actual convierte los electrones vibrantes en moléculas de aire vibrantes. Estas moléculas vibrantes hacen cosquillas a los pelos del oído interno, haciendo que los nervios del cerebro se "disparen". Por desgracia, lo que "oímos" en nuestro cerebro sólo se relaciona indirectamente con lo que está sucediendo en el aire. El oído tiene su propia lógica, sus propios prejuicios y, en esencia, una buena mezcla complace los gustos del oído humano.

Podemos entender mejor la lógica del oído descomponiendo el espectro del sonido en sus componentes de frecuencia constituyentes. Cualquiera que haya trabajado con síntesis aditiva o que haya visto un gráfico del dominio de frecuencia de una muestra digital estará familiarizado con estas ideas.

Cualquier sonido, incluido el sonido de una mezcla completa, se puede descomponer en un conjunto de ondas sinusoidales. Cada onda sinusoidal representa una frecuencia discreta en el espectro de audio. La amplitud de cada una de estas ondas sinusoidales representa la cantidad de esa frecuencia que se encuentra en la señal original. Ésta es la esencia de una transformada de Fourier. (Para cualquiera que piense que la transformada de Fourier es una abstracción, el oído utiliza esta misma técnica para descomponer el sonido entrante). Diferentes nervios del oído interno responden a diferentes bandas de frecuencia, dejando que el cerebro construya una imagen completa del sonido. Un ecualizador gráfico también utiliza estos principios, aunque con una resolución mucho menor.

Ecualizador Gráfico

Comencemos por observar algunas de las características generales de frecuencia de una buena mezcla y las cualidades de los distintos anchos de banda de frecuencia. Con estas características en mente, veremos el papel de los timbres individuales dentro de la mezcla. Sin embargo, recuerde que ninguna de las recomendaciones aquí debe tomarse como una regla general. Estas son reglas generales que pueden ayudar a guiar la dirección que puede tomar un sonido. Al final, nada ayudará más que un buen oído.

La práctica

En general, una mezcla satisfactoria parecerá contener una cantidad relativamente equilibrada de señal en todo el espectro de frecuencias audibles. Si tuviéramos que dibujar una curva que muestre la frecuencia frente a la amplitud, promediada a lo largo del tiempo, no deberíamos ver picos ni caídas pronunciadas, aunque esto no significa que la curva deba verse plana.

El oído responde mucho mejor a frecuencias medias-altas (alrededor de 1000-8000 Hz) que a frecuencias bajas (20-200 Hz) o muy altas (más de 10 000 Hz). La respuesta también cambiará con la sonoridad general, por lo que es una situación compleja. Este lío es la razón por la que tenemos tantas formas de representar el nivel de sonido. Los decibelios (dB) miden la presión sonora absoluta. Varios esquemas de filtrado (o "ponderación") estandarizados intentan hacer coincidir la curva de dB con la audición humana, siendo el más común la ponderación A (dBA).

Estos tecnicismos nos llevan a una idea muy importante en la mezcla de sonidos: la curva de sonoridad. En pocas palabras, aumentar las frecuencias extremadamente altas y bajas en una mezcla hará que la música suene más fuerte, incluso cuando el nivel de sonido absoluto (dB) permanezca igual. Esta sensación de volumen también puede aumentar la claridad percibida del sonido. Sin embargo, hay más que esto; la curva de volumen ideal cambiará dependiendo del nivel de escucha de la música y del estilo de música.

Para pasajes musicales tranquilos, se necesitan muchos graves para que el extremo bajo sea audible. Las octavas superiores dominarán la mezcla a niveles bajos (1-8 kHz) debido a la sensibilidad del oído, por lo que debe equilibrar este rango en consecuencia. Generalmente, el extremo alto (10-15 kHz) se escuchará con bastante claridad, debido más a la eficiencia de la mayoría de los altavoces que a la sensibilidad del oído. Si bien el oído no tiende a esperar frecuencias altas durante pasajes tranquilos, una buena razón para incluir material de alta frecuencia es ocultar el ruido, una realidad desafortunada en la música tranquila.
Para la música fuerte, cantidades extremas de frecuencias bajas o altas pueden volverse molestas. A los niveles de volumen de un concierto de rock, la respuesta del oído se acerca bastante a lo plano, lo que explica por qué la música suele sonar mejor cuando está alta (un hecho que se ha convertido en un tema habitual de discusión a lo largo de los años). Debido a la curva de respuesta mejorada del oído a volúmenes altos, es especialmente importante evitar los picos de resonancia en la música que se reproduce a un volumen alto. No solo se pueden escuchar estas resonancias con mayor claridad, sino que pueden resultar francamente dolorosas.

Los Instrumentos

La relación entre el contenido armónico y la sonoridad percibida juega un papel esencial en la colocación de los instrumentos en una mezcla. Considere el comportamiento de casi todos los instrumentos acústicos: cuanto más fuerte los sople, punteé o golpeé, más fuerte sonarán. Y a medida que se vuelven más fuertes, también se vuelven más "brillantes". En el mundo natural, los sonidos fuertes generalmente contienen más armónicos que los sonidos suaves. El oído espera que esto sea así, tanto que asumimos que un sonido es fuerte cuando contiene muchos armónicos. Si compara una onda sinusoidal con una onda cuadrada de la misma energía, la onda cuadrada parecerá mucho más fuerte.

Los sonidos acústicos naturalmente se vuelven más brillantes a medida que se vuelven más fuertes, pero en el mundo de los timbres electrónicos, tenemos que planificar para que esto suceda. Aquí radica la causa de muchas mezclas turbias. Por ejemplo, la mejor manera de agregar más "pegada" a un bombo no es hacerlo más fuerte que todo lo demás, sino aumentar sus frecuencias medias altas. Lo mismo se aplica a las líneas de bajo turbias: intente mezclar algunos armónicos de "ruido de punteo" sensibles a la velocidad. El más mínimo toque de agudos puede hacer maravillas para aclarar un sonido de bajo. Esto es exactamente lo que hace que los potenciadores psicoacústicos sean tan populares. Pero si sus sonidos están bien estructurados para empezar, nunca debería tener que rescatar sonidos con muchos equipos externos.

Por supuesto, los armónicos afectan a las percepciones además de la sonoridad. Ser consciente de los efectos del contenido armónico en la imagen puede ayudar a limpiar una mezcla. Una de las características de la imagen que más se abusa es la distancia o profundidad. No necesita una docena de reverberaciones diferentes para crear imágenes y capas sutiles en su música, solo tenga en cuenta el hecho de que los sonidos con menos armónicos parecen más lejanos que los sonidos con muchos armónicos. La razón de esto radica una vez más en nuestras expectativas de sonido basadas en sonidos de la naturaleza. Las frecuencias altas son absorbidas más fácilmente por la atmósfera, mientras que las frecuencias bajas se propagan a distancias más largas. (Las ballenas pueden comunicarse a cientos de kilómetros de distancia mediante golpes de baja frecuencia).

Ahora que las reverberaciones digitales están al alcance de todos, la gente está adquiriendo el hábito de darle a todo un baño de espacio sintético, sin pensar demasiado en la ubicación real percibida del sonido. Si quieres que un sonido suene lejano, no lo ahogues simplemente en la sopa de reverberación, primero haz que suene como si estuviera lejos reduciendo un poco los agudos y luego ahógalo en la sopa (bueno... ya sabes a qué me refiero).

Por otro lado, los sonidos que quieres que se destaquen claramente al frente de la mezcla no necesitan ser más fuertes que el resto de la música, solo necesitan contener un espectro armónico más amplio. Observa cuán claramente se destacan la mayoría de las voces DX7: la síntesis FM se destaca en la generación de muchos armónicos. Cuando el DX7 apareció por primera vez en escena, siempre fue responsable del sonido que te impactaba mientras el resto de la música sonaba de fondo. Esta característica puede ayudar a tu música o perjudicarla, dependiendo del contexto.

Yamaha DX7

Otra característica importante relacionada con la frecuencia de la imagen implica la discriminación de izquierda a derecha. El oído es mucho más sensible a la ubicación estéreo de las frecuencias altas que a la ubicación de las frecuencias bajas. En entornos controlados, a las personas les cuesta discernir la ubicación de los tonos por debajo de los 200 Hz. Solo con tonos por encima de 1-2 kHz podemos determinar la ubicación con precisión. Entonces, si quieres que un sonido tenga una imagen estéreo clara, dale muchos armónicos.

Panoramizar los graves generalmente confunde la imagen al alterar la mezcla dependiendo de dónde se pare una persona en relación con los parlantes. En otras palabras, el bajo puede sonar más fuerte en un altavoz que en el otro, pero eso no necesariamente ayudará a la imagen estéreo.

Si quieres una imagen estéreo en una pista de bajo, intenta separar los componentes de alta frecuencia de los de baja frecuencia, luego procesa y panoramiza solo los agudos. Con instrumentos acústicos esta separación requiere un uso drástico del ecualizador. El truco funciona bien en teoría, pero en la realidad no es fácil mantener un timbre acústico que suene bien después de una ecualización tan drástica. Sin embargo, con un par de sintetizadores y MIDI, puedes crear tu propia realidad acústica, y la imagen estéreo puede convertirse en tu patio de recreo. Divide un sonido en dos sintetizadores, con uno cubriendo los componentes de baja frecuencia del sonido, panoramizado centralmente. El otro sintetizador, que produce los armónicos superiores, ayuda a proporcionar la imagen. Con una programación cuidadosa, esta configuración no solo engaña al oído para que fusione los dos sonidos, sino que permite una gran cantidad de control sobre la imagen estéreo sin enturbiar las frecuencias bajas.

Cohesión y separación

El oído es increíblemente sensible al timbre de un instrumento. Por ejemplo, si dos violines tocan la misma melodía a la vez, normalmente podemos seguirlos sin dificultad. Como resultado, rara vez pensamos mucho en las cualidades superpuestas de los diferentes instrumentos en una pieza musical. Pero incluso un conocimiento superficial de estas cualidades puede ser de gran ayuda a la hora de orquestar timbres electrónicos.

Alguna vez te has preguntado por qué la mayoría de las líneas principales se producen en el registro superior? Intenta tocar un arpegio rápido con un timbre sinusoidal suave, primero en el extremo superior de un teclado y luego en el extremo inferior. El arpegio de bajo es muy difícil de discernir. Esto tiene que ver con muchos factores, principalmente el hecho de que el oído tiene una resolución de tono muy pobre en las frecuencias bajas. Si un sonido bajo va a moverse rápidamente, necesita muchos armónicos. Mejor aún, deja lo más intenso para las voces superiores.

Cuando la música tiene mucha actividad y se quiere que cada parte sea audible, los timbres de cada instrumento deben ser bastante distintos entre sí. Cuando varios instrumentos tocan la misma nota, el oído utiliza dos señales principales para distinguirlos: el vibrato y los armónicos (especialmente los armónicos transitorios). Si estos sonidos combinados no tienen vibrato, entonces el oído debe recordar el espectro armónico de cada sonido (el timbre). Estos espectros no son estáticos, sino que cambian con las características de la envolvente de los instrumentos. Si los sonidos combinados no tienen transitorios ni vibrato, sonarán como un solo instrumento. Aquí residen algunas de las claves para un equilibrio tímbrico interesante.

Personalmente, no creo que haya reglas para la instrumentación o la orquestación ideales, excepto una: mantener el interés. Dado que la instrumentación implica mezclar diferentes timbres, una orquestación interesante debe introducir cambios en la interacción de estos timbres. Por ejemplo, se pueden hacer que dos instrumentos se fusionen, se separen y luego se vuelvan a fusionar. Dos timbres muy similares adoptarán identidades independientes si sus transitorios armónicos (envolventes) difieren incluso ligeramente, pero cuando se tocan juntos su similitud puede aportar una sensación de riqueza. En general, se obtiene un sonido "grande" fusionando los timbres de muchos instrumentos con un sonido similar. En el otro extremo, dos timbres diferentes pueden aportar claridad a las melodías o armonías, pero su combinación puede no hacer que la música suene más grande. El control de estas características puede dar vida a la música.

Pero recuerda, nada ayudará a que tu música suene mejor que escuchar y aprender, y eso requiere paciencia y un buen oído. Este artículo no puede enseñarte estas habilidades, pero saber por qué las cosas suenan como suenan puede ayudarte a entender lo que estás escuchando.

Robert Rich - Music Technology